FINO

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Ingresando en el link que está más arriba se puede ver un video espectacular, que relata las últimas conversaciones de los pilotos de los aviones que se estrellaron en el WTC y la charla con Bin laden.

Con Babel, el realizador mexicano Alejandro González Iñárritu completa la trilogía que inició con Amores perros y 21 gramos, según sus propias palabras "un tríptico de historias que explora en un nivel local, foráneo y, finalmente global, las profundas y complejas relaciones entre padres e hijos".

Babel nace de la voluntad de retratar la incapacidad de los hombres para comunicarse en un mundo que, paradójicamente, ofrece cada día nuevas y sofisticadas herramientas de comunicación, pero en el que ya nadie escucha. Y sin escucha no hay entendimiento, no hay solidaridad, no hay comprensión ni diálogo. Como en la bíblica Torre de Babel, nada de lo que se trabaje en un entorno humano sin códigos comunes puede llegar a buen fin…

Cuenta González Iñárritu que filmar Babel le permitió confirmar que las verdaderas fronteras no se sitúan en un espacio físico, sino que están dentro de los propios hombres, en el mundo de las ideas, y que la gran tragedia humana, la que hermana a los hombres en el dolor, independientemente de cual sea su raza, cultura o condición, no es otra que la incapacidad de amar o ser amado.

Con la voluntad de transmitir esa idea del amor como sentimiento universal que da sentido a la vida y a la muerte de todo ser humano, y denunciar la ola de incomunicación que está aislando al género humano de si mismo, González Iñárritu inicia el rodaje de Babel con un equipo que, desde el principio estuvo compuesto por mexicanos, americanos, franceses, italianos, árabes, bereberes y alemanes y al final, también por japoneses.

El rodaje, que se prolongó durante casi un año y abarcó tres continentes (los escenarios de la película son Marruecos, Tijuana y Tokio) fue vivido por el realizador como un verdadero viaje interior cuyas claves impregnan los fotogramas de la película otorgándole a ésta la intrínseca cualidad de testimonio vital.

Entrevista con Alejandro González Iñárritu

por Clemente Corona

Una chiquillada –dos niños pastores marroquíes que disparan al azar una escopeta, impactando en un autobús turístico e hiriendo a una turista estadounidense- se convierte en un incidente trágico y desencadena, en una suerte de efecto mariposa perfecto, una concatenación de hechos que demuestra la globalidad de la desgracia y la indefensión del ser humano ante la casualidad. Babel es la tercera película de Alejandro González Iñárritu quien, con un guión co-escrito con Guillermo Arriaga y apoyado en un reparto en estado de gracia (Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Kôji Yakusho, Adriana Barraza y Rindo Kikuchi) que trabajó un año en tres continentes en la filmación, ahonda en las claves de su cinematografía: personas a la deriva asomadas al abismo, siendo entonces capaces de sacar lo mejor de sí mismos. "Empecé rodando una película acerca de las diferencias que separan a los seres humanos, las barreras físicas y las del idioma, pero en el camino me di cuenta de que estaba haciendo una película acerca de lo que nos une: el amor y el dolor. Es muy posible que lo que hace feliz a un marroquí y a un japonés sea muy diferente, pero lo que nos hace sentir mal es lo mismo para todos", define González Iñárritu su película, con la que da por terminada su trilogía (que conforma Babel junto a Amores perros y 21 gramos) sobre la condición humana.

Terminada la trilogía, y la colaboración con el guionista Guillermo Arriaga, ¿cómo definiría su trabajo con él? ¿En que va cambiar su cine?

Ha sido un trabajo de nueve años en el que creo que es muy sano y bueno el que Guillermo también pueda explorar otras posibilidades. Él está produciendo, yo he estado trabajando en otros proyectos con otras personas... El arte en el cine es un arte de colaboración, y es importante ir navegando y explorando otros caminos. Cómo va a cambiar no lo sé: uno va creciendo como persona independientemente del nivel profesional, no lo sabría decir...

Usted es un director con mucho prestigio, muy respetado en el mundo del cine. ¿Teme que eso le aparta del mundo real?

No, hay una glamourización totalmente equivocada y una percepción muy infantil de lo que es el cine. Le digo mucho a los jóvenes directores de cine que esta idea de que el director es un tipo que dice "acción" y "corten" y se reúne con celebridades no es cierta. Detrás de lo que yo hago hay mucho sacrificio y muy poca glamourización. Creo que en realidad es un trabajo duro y difícil: el mejor trabajo del mundo, pero es un trabajo en el que se sufre mucho y cuyo coste es altísimo. Como todo lo que han creado los medios de comunicación, esta imagen -la fama, la popularidad- es total y absolutamente falsa.

En Babel, el espectador nota que lo que nos une a los seres humanos, en el fondo, es el silencio, el dolor...

Sí, encuentro muchas más similitudes en lo que nos hace miserables que en lo que nos hace felices. La felicidad es subjetiva, se define mucho por una cultura: en ocasiones por cosas individuales, metas individuales, que también nos hacen infelices. La vulnerabilidad y la fragilidad de las personas que amamos, y la imposibilidad de amar o ser amado,s son las dos grandes tragedias del ser humano, y creo que ahí no hay diferencias seas de la religión que profeses.

Ese dolor el hilo conductor de sus tres películas.

Cada una de esas películas son extensiones de mí mismo. De una o otra forma trato de expresar mi experiencia vital, no de una forma biográfica: no necesariamente en ocasiones estoy cercano a los personajes naveguen por la sombra y la luz.

¿Cómo ha sido trabajar, siendo un director iberoamericano, con los grandes estudios?

Tengo la gran suerte de poder haber iniciado mis tres proyectos de una forma independiente, con auto-financiamientos, así que una vez que tengo todo invito a los estudios a participar y trabajo con ellos, no para ellos. Donde ellos se involucran más es en el tema de la distribución, pero no han metido su visión y jamás he comprometido una sola línea. Yo no tengo a quien culpar: toda la mierda de mis películas es mía, y si hay algo mal es total y absolutamente mi responsabilidad. Y eso es un privilegio. ¿Qué es difícil? Sí, lo es. He tenido la suerte de contar con la gente que ha creído en lo que yo estaba haciendo ,y eso siempre ha sido muy bueno, aunque puede cambiar también.

En cualquier caso, aunque los personajes se asomen al borde del precipicio y pierdan pie, encuentran una rama de la que colgarse en la caída y así salvar la vida... Es la dicotomía entre el bien y el mal, la felicidad y la desgracia.

La felicidad no es un estado perenne. La felicidad y la tristeza son como el día y la noche. Los seres humanos tendemos a ser bien maniqueos: nos creemos que somos demonios o somos ángeles, somos buenos o somos malos. Yo creo que el hombre no es bueno ni malo, es las dos cosas al mismo tiempo, y es lo que trato de expresar en mis películas. De hecho, no hay malos en Babel y el que no haya en quien vaciar emocionalmente la rabia o la angustia perturba al espectador. Como decía Carlos Fuentes, la tragedia sucede cuando dos virtudes chocan, y esos personajes tienen virtudes, y eso te crea una ansiedad como espectador, porque estamos acostumbrados al villano. Mis personajes se debaten en que no hay una felicidad o una tristeza constante; no todo es tristeza, no todo es felicidad. La vida cambia constantemente.

Y los personajes se engrandecen, se dignifican, en la adversidad...

Yo creo que es bien interesante observar a los hombres en el límite. Cuando los hombres se confrontan a situaciones difíciles es cuando se muestra realmente su naturaleza es mucho más clara. A nadie le interesaría si yo hiciera una película de un tipo repartiendo periódicos toda la película y no le pasa nada: me gusta que se pueda exponer a los personajes a situaciones extraordinarias o límites, situaciones de una cotidianeidad que los enloquece.

Con cinco candidaturas a los Globos de Oro, usted premiado por ella en Cannes, Babel parece tener todo a favor para ser una de las triunfadoras de los Oscars.
Respecto a eso, trato de mantener una expectativa muy baja para tener una serenidad muy alta. Procuro no pensar en esos términos, porque lo mejor que puedo hacer es la película de la mejor forma que pueda. No puedo hacer más de lo que ya está hecho, así que intento no pensar en los premios. Los premios ayudan a que quizá tu siguiente proyecto sea más fácil de levantar, pero en realidad no hacen mejor ni peor una película. Lo bueno de un premio, su beneficio real, es que a la gente le despierte la curiosidad.

“No a los papelones” es un documental del cineasta argentino Eduardo Montes-Bradley en tres intentos. Inicialmente se trató de la búsqueda de Nahuel Maciel, un mapuche escurridizo que había logrado burlar a las huestes periodísticas en Buenos Aires doce años atrás. Como el que busca encuentra, Nahuel fue finalmente acorralado en Gualeguaychú y el encuentro acabó en franca decepción. En lugar de reivindicar sus transgresiones el hombre se arrepentía, una pena. Pero Montes-Bradley no estaba dispuesto a naufragar y decidió seguir los pasos de Nahuel por los pasillos de la Asamblea Ambientalista que busca frenar el arrebato contaminador de las plantas de celulosa sobre Fray Bentos. La historia pintaba jugosa. En el trayecto aparecieron personajes enterecedores como La Cordobesa de las galletitas de agua, el Hombre del quincho, camalote de lejos y muchos más, según cuenta Montes en su página web. Montes-Bradley volvía a tener documental a pesar de su protagonista. Pero como no hay bien que por mal no valga, los ambientalistas terminaron hablando de más y a mitad del segundo acto el documental volvía a correr peligro. Con la destreza que lo caracteriza Montes-Bradley va en busca de los orígenes del mapuche a una comunidad perdida en medio de la cordillera de los Andes donde, como es de prever, tampoco encontró lo que andaba buscando. Con algunas imágenes fuera de foco de aborígenes latinoamericanos para festivales franceses Montes-Bradley regresa para intentarlo nuevamente a orillas del río Uruguay. Se va la tercera: “No piensan con la cabeza”, se debate entre la imposibilidad de hacer un filme sobre la figura esquiva de un falso mapuche, un conflicto bananero, el de las papeleras, a punto de convertirse en causa nacional y el coqueteo de los argentinos con la idea de que siempre hay alguien que los quiere perjudicar.

Leer entrevista a Montes Bradley realizada por Emiliano Cotelo en El Espectador

VERBUM / EMB ENTERTAINMENT / CONTRAKULTURA presentan NO A LOS PAPELONES (documental en tres intentos) realizado con apoyo del INCAA producido por SOLEDAD LIENDO escrito y protagonizado por EDUARDO MONTES-BRADLEY compaginación EMILIANO SERRA sonido MARCELO RODRIGUEZ dirección EDUARDO MONTES-BRADLEY © Copyright 2007 by EMB Entertainment. All Rights reserved

Entre el 4 y el 11 de febrero de 2007, coincidiendo con la celebración de los 100 años del principal balneario uruguayo, tendrá lugar la décima edición del Festival Internacional de Punta del Este, denominado Un Cine de Punta. La convocatoria será en la Sala Cantegril y el Cine Libertador
El primer Festival Internacional de Cine fue inaugurado en el año 1951 y en éste se combinaron fiestas y artistas de gran prestigio como Gérard Philipe y Joan Fontaine y se exhibieron películas de gran nivel artístico. Un año después, el Festival se caracterizó por una excelente selección de filmes entre los que se encontraban lo mejor del cine de la época. Los siguientes certámenes no tuvieron tanto éxito como los anteriores. Éstos fueron simples encuentros de cine no pudiendo ser enmarcados dentro de la categoría de festivales. Fue a partir de enero del año 1998 tras años sin actividad, que vuelve a surgir con todo su esplendor el festival. Con el apoyo del European Film Promotion, Punta del Este se convirtió en la Capital Latinoamericana para el Cine Europeo.

Este año se confirma la realización del tradicional evento coincidiendo con los festejos por los 100 años del prestigioso balneario, lo que enaltece al festival. La Dirección Artística estará a cargo de Alejandrina Morelli, Roxana Ukmar y Jorge Jellinek, junto con la coordinación de Luis Pereira, subdirector de la Dirección de Cultura de la Intendencia Municipal de Maldonado. Uno de los propósitos de la Dirección Artística es dotar al Festival de una renovada identidad que trae una rica historia basada en el festival de 1951, el primero realizado en el continente. Veinte Publicidad realizará la gestión de prensa y relaciones públicas y se contará con el apoyo del Instituto Nacional del Audiovisual, a través de su director Martín Papich.
Uno de los objetivos del Festival es realizar un evento de relevancia internacional, contando con la presencia de importantes figuras del ámbito cinematográfico. Se aspira a un cine de calidad y diferente a las habituales propuestas del cine comercial. Estará compuesto de un cine regional, mercosureño y latinoamericano en una variedad de estilos y temáticas. Infaltable será por supuesto el cine europeo quien ocupará un importante espacio y el cine de oriente, quien es hoy vedette en los festivales internacionales. También estará presente el fenómeno actual del cine documental.
La propuesta también procura agasajar a nuevos cineastas como forma de continuar con la antigua tradición que vincula a Punta del Este con el descubrimiento de Ingmar Bergman por parte de la crítica uruguaya. Se busca lograr a su vez la atracción de un público juvenil, para lo cual se ha instrumentado un Premio Especial a la Revelación.
El festival intenta en esta edición homenajear especialmente a una gran figura del cine latinoamericano, celebrando una de esas películas que han marcado un momento especial en la historia del cine de los países de esta región.
El cine nacional por su parte ocupará un lugar muy relevante en la programación como forma de promocionar las nuevas películas uruguayas que se estrenarán a lo largo del año.

PROGRAMACIÓN FESTIVAL DE CINE DE PUNTA DEL ESTE

El Festival de Cine de Punta del Este ya tiene los títulos de algunas de las películas que estarán incluidas en su programación. Hay otras que están siendo aún gestionadas, por lo que quedan sujetas a confirmación.
Entre las películas anunciadas hay filmes de Argentina, Brasil, Chile, México, Venezuela, Italia y Uruguay. De la República Argentina se presentará Angelelli, palabra viva, un documental de Victor Laplace.
Se prohibe prohibir, de Jorge Durán y Wood y Stock, sexo orégano y rock´n´roll, de Otto Guerra son los filmes que se exhibirán de Brasil.
El cine mexicano estará representando por El violín, de Francisco Vargas Quevedo, mejor actor de la sección Un Certain Regard de Cannes. La película por su parte, recibió un premio a la mejor película latina en el Festival de Gramado.
De Venezuela, El Don, de José Ramón Novoa (Sicario).
Las dos posibles películas del cine nacional son La Cáscara, de Miguel Ameglio, estreno mundial, y La matinée, documental de Sebastián Bednarik.
Asimismo se anunció la entrega del Premio Especial al maestro del cine latinoamericano Nelson Pereira dos Santos, director de trabajos como Río cuarenta grados, Vidas secas y Tienda de los milagros. Pero su presencia en el festival aún no está confirmada.

A los 81 años se fue uno de los más grandes del cine mundial. Director tan personal como cínico, a Robert Altman, que vivía en Los Angeles, lo único que le interesaba era filmar: “Soy muy afortunado en mi carrera. Nunca he tenido que dirigir una película que no haya elegido. Mi amor por el cine me ha dado entrada al mundo y a la condición humana”, aseguró el director frente al mismo Hollywood que siempre combatió, cuando recibió la estatuilla este año por su trayectoria en el séptimo arte.

Director, productor, guionista de toda su obra, a Altman le valió el calificativo de autor por la treintena de películas que filmó a lo largo de su vida, aunque su carrera comenzó como documentalista y con filmes industriales y anuncios publicitarios, antes de llegar a su tan ansiado debut con The Delinquents, en 1957, y previo paso por una carrera de ingeniería que abandonó y por una decisión de alistarse en el ejército que también desechó.

Su carrera cinematográfica despegó un poco tarde, a los 45 años, con una película humorística sobre la guerra, M.A.S.H, que le valió la Palma de Oro en Cannes en 1970. Y que, con el correr de los años –55 de carrera– aunó en uno de los estilos más característicos entre los cineastas modernos: a menudo trabajó con enormes grupos de actores, fomentó la improvisación y el diálogo superpuesto y rodó prolongados planos secuencia en los que la cámara pasaba de un personaje a otro.

Incluso, Altman mixturó los géneros cinematográficos tradicionales, como cuando dinamitó el western en su película John Mac Cabe, en 1971, con los protagónicos a cargo de Warren Beatty y Julie Christie. E impuso su marca en crónicas sociales y satíricas de su país, los Estados Unidos con Nashville (1975) o A wedding (Un matrimonio) en 1978. Al año siguiente, realizó Quintet, un thriller metafísico.

También conocido por su franqueza ante la situación política –en el 2000 declaró que la elección de George W. Bush a la presidencia de su país sería un “un terrible revés para la sociedad estadounidense”–.

Pero no todo fue cine, en la carrera de este director que también le dio cabida a la pantalla chica con series como Alfred Hitchcock Presents y Bonanza, y en la adaptación de la popular serie M.A.S.H a la gran pantalla, con la que su carrera tomó vuelo propio.

Sin embargo, en una de las últimas entrevistas que brindó sugirió que se aburría de la “muerte y que lo único que lamentaría “es que un día veré la luz al final del túnel y no podré seguir haciendo cine”. Hoy su lamento se hizo realidad.

Filmografía

Éstas son las películas más importantes que dirigió Robert Altman. No obstante, son sólo una muestra de su trabajo ya que, en total, dirigió 86 películas, produjo 39 y escribió el guión de 37 de ellas.

2006: 'A Prairie Home Companion'.
2003: 'The Company'
2001: 'Gosford Park'. Candidata a dos Oscars, Globo de Oro a mejor dirección.
2000: 'Dr. T y las mujeres'
1999: 'CookieŽs Fortune'
1997: 'Conflicto de intereses'
1996: 'Kansas City'
1994: 'Prêt-à-porter'. Candidata en los Globos de Oro a mejor película musical.
1993: 'Vidas cruzadas'. Candidata a Oscar a la mejor dirección.
1991: 'El juego de Hollywood'. Candidata en los Oscar y los Globos de Oro a mejor dirección.
1990: 'Van Gogh'
1986: 'Tres en un diván'
1984: 'Desechos'
1980: 'Popeye'
1979: 'Salud'
1979: 'Quinteto'
1978: 'Un día de boda'
1977: 'Tres mujeres'
1976: 'Buffalo Bill y los indios'
1974: 'Nashville'. Candidata en los Oscars y los Globos de Oro a mejor película y dirección.
1974: 'Ladrones como nosotros'
1979: 'California Split'
1973: 'El largo adiós'
1972: 'Imágenes'
1971: 'Los vividores'
1970: 'MASH'. Candidata a Oscar a la mejor dirección.
1969: 'El volar es para los pájaros'

Hasta el 14 de noviembre del corriente año se recepcionarán los cortometrajes para la 4ta edición de La Pedrera Short Film Festival a llevarse a cabo el 5, 6 y 7 de enero de 2007 en La Pedrera, Rocha.
El 15 de noviembre se cerrará la convocatoria en Montevideo en las salas Alfa Beta de Hoyt's.
Desde enero del 2004 La Pedrera cuenta con un Festival Internacional de Cortometrajes.

La iniciativa tiene como objetivos crear un ámbito para la exhibición de cortos de nivel internacional y desarrollar en La Pedrera un evento cultural gratuito para quienes asistan a disfrutar del verano.

Participarán cortometrajes realizados en cine o video y podrán presentarse ficciones o animaciones. Los trabajos deberán haber sido terminados con fecha posterior al 1º de enero de 2004. La selección la hará el Comité Organizador apostando a otorgar al público un espectáculo variado y de calidad. La exhibición se realizará durante dos horas, las tres noches del Festival en las instalaciones del Club La Pedrera.

El Festival no solo será en calidad de muestra cinematográfica sino también de concurso para el que habrá un jurado especializado y se otorgarán premios en varias categorías.

En las próximas semanas se conocerá un nuevo documental uruguayo, el segundo largo (o casi, dura alrededor de una hora) de Mariana Viñole(Crónica de un sueño). Forma parte de un proyecto continental sobre las identidades nacionales. El capítulo uruguayo indaga en maneras de ser de gente del interior y de Montevideo, profesionales,trabajadores, gente común que hace cosas que quizás nos identifiquen.
No se trata de un ensayo sociológico sino de vistazos impresionistas a veces contradictorios sobre lo que creemos ser y quizás somos. La riqueza de Los uruguayos está en sus imágenes, su ritmo, su visión desde afuera pero aproximándose a la gente, a nosotros mismos.
Manuel Martínez Carril

Esto es una maravilla realizada con una cámara de fotos: una Nikon D50 por el fotografo argentino Martín Crespo. Lo encontre en la página de Roberto Dam
“Opaco”, el primer cortometraje hecho enteramente de más de 15.000 tomas aprovechando la capacidad de disparo continuo que brinda la D50, fue presentado al festival de cine Sundance.

Hecha por el fotógrafo argentino Martin Crespo, es la primera en su género encarada de forma profesional, con actores, pista de sonido original y con 35 minutos de duración.

El corto relata la historia de una pareja de amantes que pasa su último día juntos buscando un lugar.

A 2.5 cuadros por segundo, y con un gusto exquisito,le da nuevo significado al significado “fotografia” en un cortometraje